Vom Laufsteg bis zum Museum: Wenn Modegeschichte live geschrieben wird

Hoodies Kleidung und Balenciaga derzeit in Rotterdam im Het Nieuwe Instituut ausgestellt; Ein Paar von Virgil Abloh signierte Turnschuhe für Louis Vuitton , präsentiert im MAD im Rahmen der Ausstellung „Walk and walk. Eine Geschichte der Schuhe“, unter alten Schuhen; Kreationen Vivienne Westwood, Prada, Burberry, CP Company, Stone Island und Palace sind in der Ausstellung „Invisible Men“ vertreten, die diesen Herbst an der University of Westminster organisiert wird ... Die Modenschaustücke, die gerade auf den Laufstegen gesehen, auf Instagram gepostet und dann auf Vogue Runway veröffentlicht wurden, sind im zu finden Museum, zwischen antiken Kostümen, verewigt in immer bekannteren Ausstellungen.

Und die Liste der Silhouetten der letzten Fashion Weeks, die wir nur wenige Monate später auf Stockman-Büsten und in Ausstellungskatalogen finden, wird immer länger... Die Beschleunigung der Rhythmen der Mode würde sich elle auf Museen auswirken? In der Ausstellung „Let’s Dance!“ Kleidung kommt in den Tanz: vom Tutu bis zum Sneaker“ im Haager Kunstmuseum sehen wir Dior von Maria Grazia Chiuri oder Schiaparelli vom Sommer 2019. Im Bourdelle Museum in Paris in der Ausstellung „Back Side / Dos à la mode“ - Großer Erfolg des Jahres 2019 – wir haben auch ganz aktuelle Stücke gefunden: Kleider, die gerade auf den Markt gekommen sind von Givenchy Haute Couture von Clare Waight Keller oder Yohji Yamamoto , aber auch ein Mbappé-Fußball-T-Shirt Nr. 10 und die mittlerweile berühmte Zara-Jacke, die Melania Trump 2018 trug, mit der Aufschrift: „Es ist mir wirklich don , oder?“ ".

Mode, Marker einer Ära

Vervielfachung der Retrospektiven großer Luxushäuser (Martin Margiela, Alexander McQueen, Thierry Mugler, etc.), immer intensiverer medialer Berichterstattung und immer größerem Publikum: Ausstellungen sind heute aus dem Modesystem nicht mehr wegzudenken. Im Jahr 2017 strömten mehr als 708.000 Besucher, durchschnittlich 3.500 pro Tag, zur großen Dior Ausstellung im MAD: ein Rekord für eine Ausstellung, die sich auf einen Designer in Paris konzentrierte. Während es bis vor Kurzem eine echte Zurückhaltung bei der Ausstellung von Mode gab (man ging davon aus, dass elle sich nur um ein Konsumgut handele, das in den Läden bleiben müsse), tragen diese Veranstaltungen dazu bei, sie als kulturelles Erbe zu etablieren, als eine Ausdrucksform, die erzählt die Sensibilität einer Ära. Und die angesprochenen Themen werden immer spezialisierter und gezielter: Ausstellung über Mode und Comics (La Cité internationale de la bande bande et de l'image in Angoulême, 2019), über die Wahrnehmung des Rückens (Musée Bourdelle, 2019), on Camp-Stil (Costume Institute of the MET, 2019), zu Herrenbekleidung (University of Westminster, 2019); während die ausgestellten Stücke immer neuer sind... Wie entscheiden sich Museumsdirektoren und Ausstellungskuratoren, elle in ihre Sammlungen zu integrieren? Wie können elle aus diesem oder jenem Erfolg schon im Vorfeld Kapital schlagen und so ihre Auswirkungen auf die Mode- und Gesellschaftsgeschichte vorwegnehmen?

Das „Jetzt sehen, jetzt kaufen“ der Ausstellungskuratoren

Um die Kollektionen zu bereichern, sind diese Fachleute es gewohnt, Modenschauen zu besuchen, um neue Stücke zum Erwerb zu finden. Dies ist der Fall von Alexandre Samson, Leiter der zeitgenössischen Sammlungen im Pariser Modemuseum Palais Galliera und Kurator der Ausstellung „Back Side / Dos à la mode“. Um einen Dialog zwischen Stilen und Epochen herzustellen und ihre Mittel zu entwickeln, verfügen Museen über ein spezifisches, aber oft begrenztes Budget. „ Das Anschaffungsbudget für das Palais Galliera beträgt 30.000 Euro pro Jahr für acht Abteilungen, was einen sehr geringen Betrag darstellt., unterstreicht Alexandre Samson. Aber seit 2014 erhalten wir außergewöhnliche Unterstützung von der Vogue Paris Foundation, einem Stiftungsfonds, der dem Museum zusätzliche 200.000 Euro für den Ankauf von Stücken ermöglicht. Darüber hinaus don uns die Partnerhäuser der Stiftung (aber auch andere, die es nicht sind) jedes Jahr eine komplette Silhouette ihrer neuesten Modenschau. ". Etwa sechzig signierte Stücke Balenciaga, Balmain, Burberry, Celine , Christian Dior , Givenchy, Gucci und andere werden jedes Jahr in die Sammlungen des Palais Galliera aufgenommen.

Spezifische Auswahlkriterien

Wie können wir mit so wenig Rückblick vorhersagen, dass aktuelle Stücke (Mode-)Geschichte prägen werden? Jeder Kurator verfügt über ein eigenes Analyseraster, das den Museumsregeln entspricht. „ Ich arbeite wie ein Sammler: Jeder neue Erwerb muss in unsere Sammlung integriert werden, eine Erweiterung der Stücke, die wir bereits besitzen., erklärt Alexandre Samson. Ich lege auch großen Wert auf den formalen Aspekt der Stücke: Die Silhouetten müssen ruhig leben können. Sportbekleidung beispielsweise ist nur sehr schlecht belichtet. » Auch im Kunstmuseum Den Haag sind die Anweisungen streng: „ Jede Akquisition wird mit unserem Management besprochen und wir müssen stichhaltige Argumente liefern. Wir kaufen nie ein Stück für einen einzigen Anlass, jedes Modell muss den esprit unserer Kollektion widerspiegeln: Wir bevorzugen tragbare Mode gegenüber konzeptueller Kleidung, Kleidung, die mit dem Körper und seiner Bewegung verbunden ist. Es ist eine echte Verantwortung, diese Stücke auszuwählen, denn sie werden dann von vielen Besuchern gesehen werden ...“, unterstreicht Madelief Hohé. Für Andrew Groves ist der Designaspekt von entscheidender Bedeutung: „ Unsere Auswahl ist vor allem ästhetisch und technisch und funktional. So haben wir beispielsweise kürzlich eine Vollebak-Jacke erworben, die erste auf dem Markt erhältliche Jacke, die mit Graphen, einem extrem widerstandsfähigen und vor allem sehr leitfähigen Material, beschichtet ist, sowie ein Wollmodell von A-COLD-WALL* mit innovativen Eigenschaften. »

Wenn direkt nach der Modenschau im Showroom eingekauft wird, muss man schnell und effizient sein. Es ist schwierig, Impulsen nicht nachzugeben, wenn einem die Perspektive fehlt...“ „Wir dürfen unsere Zeit nicht mit Vermutungen verschwenden, sonst verlieren wir die Gelegenheit zum Erwerb.“ warnt Alexandre Samson. Um ihre Entscheidungen zu unterstützen, sind die Ausstellungskuratoren eng mit der Presse und Instagram verbunden. „ Ich achte auf Mundpropaganda. Ich versuche, nach den Shows so viel wie möglich mit Journalisten zu chatten, treffe regelmäßig Leute, die in den Studios arbeiten, und schaue mir auf Instagram an, was die meiste Aufmerksamkeit erregt hat ...“, fährt mit letzterem fort. „Wir leben in einer aufregenden Zeit, in der im Internet zahlreiche Dialoge zwischen Journalisten, Designern, Verbrauchern, Sammlern und Kuratoren stattfinden. Heutzutage wird der Wert einer Marke oder eines Designers immer mehr kollektiv online ausgehandelt, wir müssen dies im Auge behalten », fügt Andrew Groves hinzu. Folgen Sie, ohne sich zu sehr beeinflussen zu lassen ...“ Eine Modekollektion ist sehr subjektiv. „Wir müssen ehrlich sein, es ist unmöglich, Objektivität aufrechtzuerhalten ... selbst wenn wir versuchen, eine enzyklopädische Vision der Sammlungen zu haben“, gibt Alexandre Samson an. Das Wichtigste: Stücke zu erwerben, die für die Epoche oder den Ansatz eines Designers sehr repräsentativ sind (was Alexandre Samson als „ Kreatives Manifest » eines künstlerischen Leiters). Des Triple S von Balenciaga, ein Vetements-Hoodie, einteilig Rick Owens das die Ängste unserer heutigen Gesellschaft einfängt ...

Der Fall aufstrebender Designer

Off-White, Alyx, GmbH, Koché : Sollten wir aufstrebende Marken ins Museum bringen? Die gesamte Aufgabe von Ausstellungskuratoren besteht darin, mögliche Spekulationsblasen zu erkennen und den kreativen Akt von einem einfachen Marketing-Stunt zu unterscheiden. „ Wir liegen offensichtlich falsch, aber das gehört zum Job ..., unterstreicht Alexandre Samson. Ich habe gelernt, vorsichtig mit Bildern umzugehen. Vogue Runway ist tückisch: Wir haben den Eindruck, dass wir durch das Betrachten dieser Bilder alles über eine Kollektion verstehen, aber das stimmt nicht. Es fehlt eine Bewegung, die Rückseite, das Profil! Vor allem gefällt mir der Blick auf das Innere eines Kleidungsstücks und seine Zusammensetzung: Wir verstehen, wohin der Designer gehen möchte.“ fährt der Kurator fort, der bereits Jacquemus , Y/Project und sogar erworben hat Nina Ricci von Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh. « Designer und Marken sind sich zunehmend der Macht von Ausstellungen bewusst, die es ihnen ermöglichen, ihre Arbeiten als kulturelle Artefakte zu präsentieren, auf denen Marketingstrategien basieren. Dies kann problematisch werden, wenn ihre eigene Geschichte mit der Art und Weise kollidiert, wie sie präsentiert werden möchten. Heiraten Unsere Aufgabe ist es, die Absicht des Designers zu interpretieren und seine Arbeit zu kontextualisieren, ihre Bedeutung für gegenwärtige und zukünftige Generationen zu erklären, aber nicht Marketingfragen zu beantworten », schließt Andrew Grooves.